Mapa de los sonidos de Tokio es, según mis noticias, la primera película española en la que se ha mantenido la resolución 4K desde el rodaje, con Red One, hasta el filmado. El hecho de no ser una producción con muchos efectos ha permitido que se mantengan los plazos respecto a una posproducción en 2K, aunque donde sí se han visto incrementados, como es lógico, ha sido en el filmado. Molinare ha sido el estudio donde se ha efectuado todo el proceso de posproducción y filmado.

Daniel Benmayor, habitual realizador de cine publicitario, da el salto al cine de ficción con su opera prima, Paintball, una obra de cine fantástico, terror, acción y thriller, que usa un lenguaje de cámara y un discurso narrativo poco ortodoxo. Juanmi Azpiroz dirige la fotografía de esta película en la que ocho desconocidos coinciden en una partida de paintball extremo. Lo que para todos comienza siendo un juego, pronto se convertirá en su mayor pesadilla. Las reglas han cambiado y ahora todo vale. Poco a poco los jugadores son asesinados sin ninguna explicación aparente. Quien quiera sobrevivir no tendrá más remedio que jugar hasta el final, aunque llegar al último nivel no garantice nada.

En esta película todo se pone al servicio de una idea personal, de un estilo visual, de un código estético, de una personalidad histórica en fin. Gabrielle “Coco” Chanel revolucionó el mundo de la moda, y por ende el mundo del arte, con una personalidad arrebatadora y con unos diseños únicos. La realizadora francesa Anne Fontaine rinde homenaje a la estrella de la alta costura con una película que ilustra los primeros años de vida de la artista-rebelde, a quien da vida en la pantalla Audrey Tatou. Con realizadora y actriz tuvimos ocasión de charlar en el incomparable marco de los jardines del Hotel Santo Mauro, en Madrid.

Martin Provost arrasó con esta película en los Premios de la Academia Francesa, logrando siete ‘Césares’ en categorías como Mejor Película, Mejor Guión, Actriz y Fotografía. El reconocimiento popular y de la crítica en su país coincide en esta ocasión con las virtudes artísticas y el despliegue técnico de los que hace gala el filme, en aspectos como el tratamiento del color o el de la banda sonora. Gracias a la traducción simultánea de Mathilde Grange, nuestro breve encuentro con Martin Provost se convirtió en un intenso juego de revelaciones sobre los secretos que hay detrás de la película.

En términos de puesta en escena, el primer largometraje de Borja Cobeaga ha usado una planificación que podríamos definir como “televisiva”, sin matices despectivos, es decir, plano-contraplano, conversaciones con cuadros muy cerrados, pocos planos medios narrativos. Las razones que esgrime Borja es la eficacia cómica. En su experiencia de rodar sketches para televisión, y sobre todo en su montaje, el director vasco entiende que el plano-contraplano es la manera perfecta de modular el ritmo en comedia. Por otra parte, es muy llamativa la presencia en el metraje de una serie de documentales de animales y piezas paródicas, resúmenes de aquello que por trama no podía ser tratado en profundidad. Con el director donostiarra charlamos para conocer en profundidad cómo ha sido su primera experiencia como largometrajista.

La primera película estereoscópica de imagen real española está cercana a ser una realidad. Magic journey to Africa, originalmente The magic tale, es el título de la nueva producción estereoscópica española, fotografiada por Tomàs Pladevall y rodada en Barcelona y Namibia.

La película muestra, con un realismo exacerbado, el feudo en el que la Camorra napolitana anula la digna existencia de las miles de personas que pueblan “sus tierras”. Matteo Garrone, director, y Marco Onorato, director de fotografía, perfilan el retrato de una tierra desolada por las guerras entre clanes del crimen organizado, la venta de armas ilegales, el narcotráfico, la explotación infantil y laboral, el vertido ilegal de residuos tóxicos y un largo etcétera de actividades delictivas.

El nuevo trabajo de Agustín Díaz Yanes representa su vuelta a la dirección tras Alatriste. Un reparto encabezado por los mexicanos Diego Luna y José María Yazpik, junto con Ariadna Gil, Pilar López de Ayala y Elena Anaya, rodea la vuelta a la pantalla del personaje de Gloria Duque, interpretado por Victoria Abril. Con Paco Femenía en la dirección de fotografía y Salvador Parra en la dirección artística, se nos brinda una obra de estética cuidada y medida, puesta al servicio del impacto visual que su realizador considera imprescindible ofrecer en toda película de acción, cuyo elaborado trabajo de cámara se halla siempre al servicio de dicha espectacularidad.

Paolo Sorrentino, director y guionista del filme, teje un retrato feroz del alma de la Democracia Cristiana italiana, Giulio Andreotti, personalidad clave de la política en Italia durante la segunda mitad del siglo XX. Luca Bigazzi, director de fotografía, firma un claroscuro que metaforiza la dualidad constante en la vida del protagonista interpretado por Toni Servillo. En cuanto al tratamiento fotográfico, respiramos atmósferas cálidas y contrastadas junto a otras grises y luminosas, pasando de una fotografía elegante y pausada a otra fría y agresiva, sin olvidar multitud de ambientes interesantes. Vemos secuencias con iluminaciones, encuadres y movimientos de cámara barrocos y elegantes, hasta otras en las que el lenguaje se adapta a situaciones callejeras de acción, con movimientos rápidos de cámara y una imagen fría y desgarradora, pasando por diferentes colorimetrías.

Para el observador distante, el cine independiente que se hace en Norteamérica maneja unos presupuestos y unos medios de producción que para sí querrían muchas de nuestras superproducciones. Sin embargo, la realidad de gran número de cineastas y técnicos formados en las prestigiosas academias USA, discrepa. Buscando un beso a medianoche es buen ejemplo de ello. El tercer largometraje del tejano Alex Holdridge fue arañando calidad visual y sonora en la medida que iba encontrando el correspondiente apoyo financiero y personal al proyecto.

La buena vida versa sobre la frustración, sobre el desencanto, sobre el egoísmo y la mentira, sobre la aceptación, sobre dejarse morir, sobre crecer, sobre la vida y la muerte... Como si se tratase de una terapia guestáltica que brota de la experiencia, los personajes aceptan que lo que es, es. Admiten, en algunos casos de manera violenta, en otros por el natural transcurrir del tiempo, pero inevitablemente de forma traumática, que la realidad y las personas no son como les gustaría que fuesen, que no son como les dijeron que iban a ser ni como deberían de ser y, lo más importante, que la realidad es un tiempo presente. La experiencia les puede ayudar a avanzar, pero también les puede anquilosar o sentenciar.

“La mayoría de experiencias cinematográficas se centran en el control: un director y su equipo manipulan el entorno para obtener lo que quieren. Pero en India no se puede aplicar esta regla. No tienes más remedio que dejarte llevar y a ver qué pasa”

¿Cómo plasmar en imágenes la pérdida de la visión? El realizador brasileño Fernando Meirelles y su director de fotografía, César Charlone, se plantearon esta pregunta principal a la hora de trasladar la obra de Saramago, al cine. La respuesta la encontraron en la adopción de un punto de vista insólito, obtenido gracias al empleo magistral de las posibilidades técnicas y expresivas de las focales.

El concepto fotográfico básico en esta película era: luces bajas, rasas, atmósfera fría, y una gama de colores apagados, marrones, grises, azules, verdes, para dar cuerpo a una suerte de “expresionismo del extrarradio”, como diría metafóricamente Quique Cañadas, etalonador de la película.

Esta película constituye el debut en la dirección de Paco Cabezas, quien ya estuvo detrás de las cámaras, con notable éxito, al frente del cortometraje. Guionista, a su vez, de algún título reciente, como Sexykiller, ha dirigido una road movie en la que el terror aflora, perseguidor, a lo largo de las despobladas e interminables carreteras que discurren desde Buenos Aires a la Patagonia argentina. Con fotografía de Andreu Rebés, esta película, que apuesta declaradamente por el género, aunque no precisamente por su ortodoxia, se cuela en la cartelera queriendo llamar nuestra atención fundamentalmente por su atrevida propuesta de mestizaje, con un giro ciertamente inesperado en la trama que, bien avanzada ya la acción, sorprenderá seguramente a muchos de sus espectadores. A continuación se ofrecen las respuestas de su director a algunas de las preguntas que suscita éste, su primer largometraje.

Hugo Colace (ADF), último premio del jurado a la mejor fotografía en el festival de San Sebastián por El Nido Vacío, estrena su última película en España, una coproducción hispano-argentina de Quimera Films y Zarlek Producciones. El lado oscuro del corazón, Historias mínimas o La ciénaga, son algunos de los títulos que ha fotografiado junto a directores como Eliseo Subiela, Carlos Sorín o Lucrecia Martel. Colaborador habitual de Alberto Lecchi, El Frasco es la primera película para ambos grabada en HD, lo que ha supuesto una novedad en el sistema de trabajo. Hugo nos cuenta su experiencia.

Cesar Charlone, uruguayo afincado en Brasil, compone para Fernando Meirelles una sinfonía alegórica de imágenes deslumbrantes. A ciegas (Blindness) es una adaptación fiel en el espíritu a la novela “Ensayo sobre la ceguera”, de José Saramago, donde, debido a una ceguera sobrevenida de forma repentina y generalizada, la humanidad se hunde en el caos. Charlone hace al espectador consciente en todo momento del acto de mirar, y lo hace con imágenes rotundas, abstractas en algunas ocasiones y descriptivas hasta el máximo detalle en otras. Con César Charlone mantuvimos una entrevista muy reveladora de su trabajo en esta película.

“En la trama de Los abrazos rotos aparece dramatizada la importancia del montaje, su relación directa con el autor y la fragilidad de la obra si alguien se interpone entre el montaje y el autor. El montaje está en el origen de la narración, es la narración cinematográfica propiamente dicha. Mis primeras dieciséis películas las he montado en una moviola. Así pues, rindo homenaje a esta máquina, tan estrechamente vinculada a mi biografía cinematográfica, y a todos los materiales magnéticos y fotográficos que las nuevas tecnologías han barrido de las salas de montaje. No es casual que aparezca un primer plano del núcleo de un rollo rebobinándose frenéticamente, y que esta imagen se encadene con la de Mateo bajando rápidamente las escaleras del estudio. Ambos movimientos evolucionan al mismo ritmo y en el mismo sentido. Ambos poseen el mismo centro y la pasión que los impulsa es la misma. Pero no quiero ser nostálgico, sobre todo no quiero que la nostalgia me paralice. Estoy dispuesto a abrazar las nuevas técnicas, del mismo modo que Mateo abraza en el televisor el beso digitalmente tan ampliado que aparece totalmente roto en la pantalla. Justamente el parpadeo del pixelado es lo que hace que la imagen tenga tanta fuerza.”
– Pedro Almodóvar

Película de terror al uso, road movie, drama familiar, cine político. Paco Cabezas ha realizado una película ecléctica con una verdadera mezcla de géneros. Y Andreu Rebés elaborado una fotografía en la que se hace un tratamiento realista no exento, en ciertos momentos, de licencias efectistas. Cabe destacar también el magnífico trabajo realizado en las noches, al límite en la exposición.

La última película de Javier Fesser es una dura reflexión sobre la vida, la muerte y la religión a través de la experiencia de una niña enferma de cáncer. Buscando aportar verosimilitud a la historia sin perder su tono dramático, Alex Catalán, su director de fotografía, ha creado una imagen elaborada y contenida con la cámara de alta definición Sony F23.

Sergio Delgado fue ayudante de cámara en las dos producciones de Soderbergh sobre el Che Guevara: El Argentino, rodada en Puerto Rico y México, y Guerrila, rodada en España y primera película que se rueda en nuestro país con un Red One. También desempeñó esa función en Los límites del control, de Jim Jarmusch, rodada en 35mm, donde trabajó con Christopher Doyle, uno de los directores de fotografía más reputados.

Por tanto, estamos ante dos películas bien dispares y queríamos que Sergio nos relatara la visión de ambos rodajes desde la perspectiva de un ayudante de cámara.

Javier Aguirresarobe firma la fotografía de la última película del director neoyorquino. El estilo valiente, arriesgado y algo azaroso que el director genera en rodaje confiere a la imagen un aspecto de aparentemente descuido, frescura y naturalidad. El dominante tono cálido de la película destaca en una cinta que no ha pasado por ningún proceso digital de postproducción.

Este documental dirigido por Juan Vicente Córdoba, trata un asunto que demasiadas veces parece haber caído en el olvido más absoluto, y es que hubo españoles que fueron, hace tiempo ya, inmigrantes entre los propios españoles. Este trabajo retoma el testimonio vivo de uno de los barrios en los que más acusadamente se encarnó la historia de la emigración interna en nuestro país posterior a la Guerra Civil española, el Pozo del Tío Raimundo, en Madrid. Se trata de una propuesta formalmente honesta, sencilla, que hace a la palabra vía de transmisión de vivencias, de una memoria que generaciones venideras y presentes corren el riesgo de no llegar nunca a escuchar si no fuera por apuestas como ésta.

En esta entrevista, José Luis Cuerda habla acerca de su última película, ambientada en los años inmediatamente posteriores a la conclusión de la Guerra Civil española. El filme se centra, arropado por su clásica factura, en unos personajes atrapados y desorientados en medio de circunstancias que, por incontrolables, superan la frágil escala de su libertad de acción, del ejercicio de su voluntad, haciendo germinar una historia de gran dramatismo que nace del fortuito cruce de las sendas de sus vidas en unos tiempos sumamente difíciles. Último guión escrito por Rafael Azcona en su larga y ejemplar trayectoria profesional –cuántos quisiéramos dar nuestros pasos con el acierto ejemplar que él supo imprimir a los suyos-, permítase que este artículo sirva, modestamente, para mantener viva aún la memoria de su vida y su obra.

A dos horas de iniciar una jornada más de rodaje nocturno de la ópera prima Hierro, de Gabe Ibáñez (prestigioso realizador de publicidad), Juan Diego Yanda y Daniel Urdiales -miembros de la empresa de sonido Wildtrack, con trabajos a sus espaldas como La luna en botella, Ladrones o Nómadas- me desvelan cómo fue el proceso sonoro de toda la película. Proceso que asumieron íntegramente desde el sonido directo hasta la mezcla, y que finalizaron, junto a Alberto Ovejero, en los estudios 103 TODD-AO de Madrid.

La última producción de José Luis Garci, como ya ocurriera con Luz de domingo, ha contado con Félix Monti en la dirección de fotografía. En esta película se ha tenido muy en cuenta, desde el lado argumental y dramático, los Episodios nacionales de Galdós, y en el aspecto tonal y de puesta en escena es omnipresente Goya.

David Azcano fotografía el segundo largometraje del director salmantino Gabriel Velázquez, una historia que cuenta un episodio en la vida de dos personas desorientadas, principiantes en las relaciones humanas y carentes de afectividad. Gabriel se sumerge en la aventura de producir, escribir y dirigir, para lo que ha contado en la dirección de fotografía con el mismo colaborador que en su primer largometraje, Sud Express, escrito y dirigido junto a Chema de la Peña. David elabora una imagen al servicio de la historia, sin lucimiento vacuo, acorde a las necesidades narrativas de cada secuencia y llena de matices que ayudan al espectador a profundizar en la psicología de los personajes.